Amarga Esperança (1948): Nicholas Ray Estreia em sua Quintessência Cinematográfica

Amarga Esperança (They Live be Night), produzido em 1948, se resumiu para muitos críticos como a quintessência da arte de Nicholas Ray (1911-1979), o cineasta das paixões crepusculares e da juventude desajustada e incompreendida, que fez aqui sua estreia como diretor, onde a fita em tópico prefigura com sua obra mais famosa, Juventude Transviada, de 1956.

O Cineasta Nicholas Ray (1911-1979) - Diretor de AMARGA ESPERANÇA (1948)

Farley Granger e Cathy O' Donnell, o par romântico e dramático
de AMARGA ESPERANÇA (1948)

Em 1947, o produtor Dory Schary (1905-1980), então na chefia dos estúdios da RKO, decidiu dar chance a novos diretores com filmes de baixo orçamento, e por sugestão de outro produtor, John Houseman (1902-1988), que era amigo de Nicholas Ray, convidou este para levar a tela o romance escrito em 1943 por Edward Anderson (1905-1969), intitulado Thieves Like Us. Ray dirigiu Amarga Esperança em apenas sete semanas.

Lobby Card de AMARGA ESPERANÇA (1948)

Entretanto, em 1948, o magnata Howard Hughes (1905-1976) comprou a RKO e engavetou o filme de Ray por dois anos depois de pronto, lançando somente a 5 de novembro de 1949, quando já haviam sido exibidos nos cinemas duas outras obras do cineasta: A Vida íntima de uma Mulher, de 1948, e O Crime Não Compensa, de 1949. 

Bowie (Farley Granger) e Keechie (Cathy O' Donnell). O
desespero de dois jovens que se amam.

Como geralmente acontece com algumas obras primas da Sétima Arte, Amarga Esperança teve seu mérito reconhecido como tal anos depois. Quando lançado em sua época, era considerado um filme policial Classe B. Mas com análise aprofundada, o primeiro filme de Nicholas Ray teve seu reconhecimento como clássico filme noir hollywoodiano, com síntese depurada de toda obra cinematográfica do diretor.

Bowie e Keechie

Um jovem casal que tem um mundo a enfrentar.

Amarga Esperança tem seu prólogo com uma inusitada cena, bem incomum, mas que funciona bem como forma de situar a trama. Ray abre o filme com um rápido plano dos dois amantes, onde aparece a seguinte legenda: “Este rapaz e esta garota ainda não foram realmente apresentados ao mundo”. O clima lúdico da cena e a frase que a acompanha deixam claro que Ray tem o objetivo de mostrar como o mundo pode ser um lugar cruel e opressivo, capaz de destruir sonhos e esperanças de felicidade, sobretudo quando se trata de dois jovens namorados. A partir daí, toda a desenvoltura da história esta prestes a ser apresentada. 

T-Dub (Jay C. Flippen), Bowie (Farley Granger) e Chickamaw
(Howard Da Silva). Três fugitivos da penitenciária do Mississipi.

Os três fugitivos já rendem uma vítima.

Com uma narração chiaroscuro  e clima de fatalismo, estampa a caçada policial de três fugitivos de uma penitenciária do Mississipi, e são eles: Bowie (Farley Granger, 1925-2011), Chickamaw (Howard Da Silva, 1909-1986), e T-Dub (Jay C. Flippen, 1899-1971). Bowie reencontra a namorada Keechie (Cathy O’ Donnell, 1923-1970), e o jovem casal se opõe a uma sociedade hostil em um amor sem ilusões. E é exatamente nesse sentido que o filme tem seus méritos. Ray é extremamente hábil na construção da atmosfera de desespero na qual o casal se encontra. A utilização da noite como prisão e, ao mesmo tempo, única condição na qual os personagens se sentem confortáveis é de uma eficácia inegável.

Keechie e Bowie: a utilização da noite como prisão, sendo 
a única condição na qual os personagens se sentem em liberdade.

Keechie e o trio de fugitivos.

O tema é constantemente arquitetado, tanto pela câmera de Ray quanto pelos diálogos, fazendo com que o próprio espectador sinta-se inseguro quando o casal está em plena luz do dia. A sensação é a de que o mundo construiu para Bowie e Keechie uma emboscada da qual eles não conseguem sair. As tomadas aéreas de helicópteros (uma inovação para o cinema até então) ainda colaboram para a criação desse clima, reforçando a ideia de que se trata de uma história de fuga, não de amor. O toque fotográfico de George E. Diskant (1907–1965) e a trilha sonora de Leigh Harline (1907-1969) dão mais brilho ao espetáculo. 

Bowie e Keechie, em um momento de paz.

Keechie e Bowie: um jovem casal que se ama

Nesse sentido, é possível notar o tom autoral que desenrola toda a fita. Nick Ray apresenta em Amarga Esperança o ponto de partida para alguns temas que seriam bem característicos em sua filmografia: além do clima noir, destaca-se um olhar de ternura para os personagens centrais que vivem à margem da sociedade. Bowie, em sua essência, não é uma pessoa ruim, ainda que seja visto assim pelas pessoas. Ray trata-o exatamente dessa forma, como se Bowie tentasse se encaixar no ambiente que o cerca para viver uma vida normal, mas sendo constantemente repelido por seus esforços, e o mesmo acontece com sua amada Keechie.

A ação é violenta por parte do trio de fugitivos.

Bowie, na esperança de se unir a mulher que ama.

A partir daí, nasceu à preferência do diretor por personagens amargurados, perdidos, que não conseguem encontrar seu lugar na sociedade. Ele fez isso com protagonistas vividos por grandes atores em outras obras por ele assinado. Basta vermos o policial amargo e estressado vivido por Robert Ryan em Cinzas que Queimam (1951), que não aceitava ser marginalizado em sua profissão pela sociedade; ou ainda o roteirista iconoclasta e violento vivido por Humphrey Bogart que prezava mais seu ego artístico do que viver sob as regras sociais em No Silêncio da Noite (1950). 

Mas o jovem casal anda sempre em fuga.

Bowie sendo ameaçado por Chickamaw

Deste modo, Nicholas Ray situa seus personagens em um mundo a parte, comunicando na pureza dessa relação amorosa de dois seres perdidos nas trevas da noite – Bowie um fugitivo da lei, e Keechie, a filha de um alcoólatra – uma romântica indignação social. E se coloca ao lado da poética solidão e da dignidade de seus sentimentos, que o meio circundante ameaçador quer destruir com suas regras petrificadas e desumanas.

O trio de fugitivos tem como aliada Mattie, vivida por Helen Craig

Keechie e Bowie, tentando fugir da lei

Amarga Esperança, apesar de um bom filme, sobrevive até hoje graças à curiosidade de ser o trabalho de estreia de Nicholas Ray. É uma obra bem construída e com diversos valores, ainda que a trama em si tenha sido prejudicada pela ação do tempo. Mas aqui é o momento no qual o cineasta coloca em celuloide, pela primeira vez, sua visão de mundo que se faria presente em toda a filmografia e o faria entrar para o rol dos maiores cineastas de todos os tempos. Um ponto de partida curioso para uma das carreiras mais prolíferas não somente em Hollywood como também em todo o cinema internacional.

AMARGA ESPERANÇA de 1948. Um clássico de Nicholas Ray 

Sem deixar pontos de similaridade com Vive-se só Uma Vez (1937), dirigido por Fritz Lang, onde outro inocente (vivido por Henry Fonda) parecia vencido por um trágico destino e uma sociedade injusta – Amarga Esperança é uma criação fundamental de Nicholas Ray, que segue aqui suas mais absolutas características compostas por grande parte de seu trabalho. A defesa da juventude desajustada, a convicção que nesta vida o amor e o lirismo são impossíveis, e finalmente um desesperado cântico para dois amantes que não pertencem a este mundo, existente no silêncio da noite, símbolo da morte inelutável. Assim é o cinema de Nicholas Ray. Assim é Amarga Esperança. 

FICHA TÉCNICA

AMARGA ESPERANÇA

(They Live by Night)

Ano de Produção: 1948 

Gênero: Policial - noir 

País: Estados Unidos 

Direção: Nicholas Ray 

Produção: John Houseman e Dory Schary – para a RKO 

Roteiro: Charles Schnee, Nicholas Ray (adaptação) e Edward Anderson (romance original).

Música: Leigh Harline.

Fotografia: George E. Diskant (em Preto & Branco)

Metragem: 95 minutos.

ELENCO

Cathy O’ Donnel – Keech

Farley Granger – Bowie

Howard Da Silva – Chickamaw

Jay C. Flippen – T-Dub

Helen Craig – Mattie

Will Wright – Mobley

Ian Wolfe – Hawkins

William Phipps – Jovem Farmer

Harry Harver – Hagenheimer

James Nolan - Schreiber

A Marca da Maldade (1958): A Natureza Perversa e a Corrupção Analisadas por Orson Welles

Divulgação do Cine Rádio (Paulo Telles)

Um magnífico estudo acurado sobre a natureza perversa do ser humano. Orson Welles (1915-1985) realiza de forma inteligente uma palestra em seus 106 minutos de projeção (versão remontada) na obra A Marca da Maldade (Touch of Evil) de 1958. Atuando também como ator no papel de Hank Quinlan, um policial pungente e corrupto que ele interpreta de forma soberba, traduz um resumo de tudo que o cineasta pretendia sugerir ao espectador, especialmente em relação às incoerências, hipocrisias e contradições que envolvem a natureza humana. Também assinala o retorno de Welles a Hollywood após nove anos de ausência. A fita teve cenas acrescentadas e montagem adulterada pela Universal à revelia do diretor.

Charlton Heston e Janet Leigh, os astros originais, reencontraram-se para o lançamento da edição comemorativa de 40 anos de A MARCA DA MALDADE.

Heston e Janet Leigh em A MARCA DA MALDADE (1958)

Em 1998, foi realizada uma remontagem segundo as intenções do cineasta e deixadas para Rebecca Welles (1944-2004), herdeira e filha do diretor. Charlton Heston (1923-2008) e Janet Leigh (1927-2004), os astros principais, estiveram presentes na cerimônia pela ocasião dos 40 anos do lançamento do filme. Foi o próprio Heston quem sugeriu a Universal Pictures para que Welles assumisse a direção (anteriormente Welles só atuaria como ator). O estúdio teve medo, mas Welles cumpriu o contrato e realizou a obra no tempo certo dentro do orçamento estabelecido. Mas mesmo assim, a Universal mexeu na montagem final.

Orson Welles dirige uma das maiores obras primas da Sétima Arte: A MARCA DA MALDADE (1958).

Orson Welles, além de dirigir, é um dos atores centrais, antagonizando com o astro Charlton Heston.

Welles tinha apenas 41 anos quando desempenhou o papel do velho e obeso policial Hank Quillan, usando uma maquiagem bem pesada. Ainda assim, A Marca da Maldade se impôs como uma de suas obras mais impactantes, cujo impacto técnico estarrecedor se revela com rara volúpia criativa em seus efeitos de câmera, som e edição (segundo o finado crítico de cinema carioca Paulo Perdigão). Baseado no livro Badge of Evil, de Whit Masterson (1920-2012), Welles compôs o script juntamente com o autor do romance.

Charlton Heston é o detetive mexicano Ramon "Mike" Vargas, que se depara com a corrupção da policia regional.

Welles interpreta o Capitão Hank Quinlan, um  corrupto policial que se envolve com o traficante "Tio" Grandi, vivido pelo lendário e talentoso Akim Tamiroff.

Numa cidade da fronteira do México – Estado Unidos, o investigador mexicano Ramon Miguel Vargas (Charlton Heston) interrompe sua lua de mel com Susan (Janet Leigh) para apurar um crime. O casal então é perseguido por traficantes chefiados por “tio” Joe Grandi (Akim Tamiroff, 1899-1972). Ramon acaba entrando em conflito com o veterano policial Hank Quinlan (Orson Welles), capitão da polícia local, corrupto e psicopata, com registros de perfeitas prisões. Vargas suspeita que Quinlan plantasse provas falsas para efetuar suas prisões. Determinado a manter o honesto e incorruptível investigador mexicano fora do seu caminho, ele faz um acordo com “tio” Grandi para incriminar a esposa de Vargas, Susan (Janet Leigh), que é mantida num quarto de motel, abandonada e dopada, acusada de assassinato numa das sequencias mais angustiantes do filme.

Janet Leigh vive Susan, a esposa norte-americana de Vargas, que logo se vê em sérios perigos...

... sofrendo represálias dos arruaceiros e delinquentes protegidos pelo "Tio" Grandi.

Idealizado pelo cineasta mais criativo já conhecido, A Marca da Maldade é uma obra maravilhosa que nenhum amante do cinema deve perder – de acordo com o Chicago Tribune.

Não demora e Vargas percebe a real intenção de Quinlan em incriminar um inocente.

Susan, a devotada esposa de Vargas

Em primeiro plano, o filme parece seguir algumas características dos policiais produzidos nos anos de 1940 pela RKO, como fotografia com ampla definição de claro e escuro feita pelo especialista Russel Metty (1906-1978), um crime como ponto de partida no desenrolar da trama e as investigações que se desenvolvem acerca delas, bem como os ambientes decadentes e imundos, imoralidade e corrupção, e cenas preferencialmente noturnas que permeiam toda a composição estética da obra.

Ramon "Mike" Vargas e sua esposa Susan

Vargas X Quinlan: O policial honesto contra o policial corrupto.

A trilha sonora de Henry Mancini (1924-1994) tem papel fundamental na trama uma vez que ela molda as cenas de forma ativa, atuando como uma importante ferramenta de continuidade que claramente situa o espectador. A Marca da Maldade sem dúvida tem diálogo inovador para o público da época do lançamento, considerada até então um tabu para o cinema norte-americano, com o Código Hays* perdendo sua eficácia. Vemos palavras como baseado,  picada, viagem, entre outras que fazem parte do vocabulário no mundo dos entorpecentes.

Marlene Dietrich em participação especial como Tanya, uma ex-amante de Quinlan.

A Marca da Maldade é valorizada também pelo restante do seu cast, e muitos deles em aparições cameo. Joseph Calleia (1897-1975) tem destaque fundamental como um policial igualmente corrupto que vive a proteger o vilão Quinlan. Notável as breves aparições de Zsa Zsa Gabor (1917-2016), Joseph Cotten (1905-1994) e da talentosa Mercedes McCambridge (1916-2004), como uma lésbica pertencente à gang de Grandt.  Mas é Marlene Dietrich (1901-1992) que fecha com chave de ouro este grande espetáculo, no papel de Tanya, uma mulher de cabaré e antiga paixão de Quinlan.

Orson Welles em notável atuação!

Orson Welles em seus momentos marcantes como ator em A MARCA DA MALDADE (1958)

Muito embora tenha sido produzido com baixo orçamento, o filme de Welles eleva-se a um requinte de produção Classe A, tornando-se uma das fitas mais assistidas e analisadas nos últimos cinquenta anos por estudantes de cinema, cineastas e críticos modernos, com temática pertinente ainda em nossos dias (como a corrupção nos meios policiais), o que faz de A Marca da Maldade uma obra atemporal.

* O Código Hays foi um conjunto de normas morais aplicadas aos filmes lançados nos Estados Unidos entre 1930 e 1968 pelos grandes estúdios cinematográficos. Seu nome deriva de William H. Hays (1879-1954), advogado e político presbiteriano e presidente da Associação de Produtores e Distribuidores de Filmes da América de 1922 a 1945. Entretanto, já na primeira metade dos anos de 1950, o código já vinha perdendo força. Alguns cineastas e produtores estavam aptos a rompê-lo. A partir de 1968, o código deixou de existir, dando lugar ao sistema de classificação indicativa, que perpetua até hoje.

Poster Alemão

Título original: Touch of Evil

Ano: 1958

País: Estados Unidos

Gênero: Policial-Noir

Direção: Orson Welles

Produção: Albert Zugsmith, em produção e distribuição da Universal.

Roteiro: Orson Welles e Whit Masterson, com base no livro  Badge of Evil, de Whit Masterson.

Fotografia: Russel Metty, em Preto & Branco.

Montagem: Aaron Stell e Walter Murch (para reedição de 1998).

Música: Henry Mancini

Metragem: 95 minutos

Poster Original

Charlton Heston –Ramon Miguel “Mike” Vargas

Janet Leigh – Susan Vargas

Orson Welles – Capitão Policial Hank Quinlan

Joseph Calleia – Sargento Policial Peter Menzies

Akim Tamiroff -  ‘Tio’ Joe Grandi

Joanna Moore – Marcia Linneker

Ray Collins – Promotor Adair

Dennis Weaver – Dono do Hotel

Valentim de Vargas – Pancho

Mort Mills – Inspetor Al Schwartz

Phil Harvey – Blaine

Joi Lansing – Zita

Harry Shannon – Chef Cloud

PARTICIPAÇÕES ESPECIAIS 

Marlene Dietrich – Tanya

Zsa Zsa Gabor – Dona do Clube de Strip-Tease

Joseph Cotten (Sem Crédito)

Eva Gabor (Sem Crédito)